Professur - Besoldungsgruppe W 2
für das Fachgebiet "Gestaltung Digitaler Medien"
Kennziffer: Fk4-MI 2/17
Gesucht wird eine Persönlichkeit, die das Gebiet Konzeption und Umsetzung von Gestaltungsprozessen für digitale Mediensysteme auf aktuellem Stand in der Lehre und in der anwendungsorientierten Forschung und Entwicklung vertreten kann. Besonderes Gewicht wird dabei auf das Interaktionsdesign unter dem Aspekt der Wahrnehmung von Bild und Zeichen gelegt. Die Kenntnisse sind an eigenen Arbeiten nachzuweisen. Kontakte zur Medienwirtschaft sind erwünscht. Außerdem wird die Durchführung von Projekten im Rahmen des Projektstudiums erwartet. Die Betreuung von Bachelorabschlussarbeiten sowie die Betreuung von Studierenden im Auslandsstudium und in der Praxisphase gehören ebenfalls zum Aufgabengebiet des Stelleninhabers/der Stelleninhaberin. Die Hochschule Bremen fordert von allen Hochschullehrern und Hochschullehrerinnen die aktive Mitarbeit in der Selbstverwaltung.

Ihr Profil
Nach einem einschlägigen wissenschaftlichen oder gestalterischen Hochschulstudium und einer aussagekräftigen Promotion haben Sie mehrjährige Erfahrungen in einem Unternehmen mit nachweisbarem Bezug zum designierten Arbeitsfeld gesammelt. Sollten Sie über einen Abschluss eines gestalterischen Studiums verfügen, so kann auf eine Promotion verzichtet werden, wenn die besondere Befähigung zu gestalterischer Arbeit nachgewiesen wird. Vorausgesetzt werden neben den allgemeinen beamtenrechtlichen Einstellungsbedingungen eine besondere Befähigung und Erfahrung in der Lehre im Bereich digitaler Medien.

Nähere Informationen unter:
13.12.2017 um 13:26 Uhr
Special Issue of the International Journal of Design:
Alive. Active. Adaptive: Experiential Knowledge and Emerging Materials

Suzanne Lee uses microbial cellulose composed of millions of tiny bacteria to produce clothing in her bathtub (Science Museum, 2010); Carol Colette, in “This is Alive” (2013), invites us to imagine a world in which plants grow products and bacteria are genetically reprogrammed; Anna Vallgårda (2009) introduces the notion of “computational composites”, a new design space in which conventional materials (like wood) become more expressive and adaptable through computation. These are a few examples of how the emergence of new materials and new approaches to using materials is offering an opportunity for achieving new experiences in design. But as materials acquire new agency and interactional possibilities (whether algorithmic, biological or chemical), how do we work with such alive, active and adaptive materials? And as materials acquire connectivity (whether digital or organic) and thus the ability to fluctuate within more fluid situations of use and need, how do we understand the movements, temporalities and relationships of one material in relation to other materials? This calls for different skill sets and for different ways of understanding and mobilizing materials in design.

In this special issue, we welcome submissions from a diverse range of researchers and practitioners whose work is centered on the experiential knowledge acquired through working with emerging materials that are alive, active and adaptive.

Suggested Research Themes

Designerly or artistic ways of understanding alive, active, adaptive materials
Frameworks, approaches, tools and methods to support designing with alive, active and adaptive materials
Interdisciplinary collaborations between different disciplines, such as materials science and design, in opening up new research spaces and design possibilities with alive, active and adaptive materials
Explorations of future applications of alive, active and adaptive materials
Critical views on the future of emerging materials and the implications for design research and practice
Design research on and reflective accounts of experience and practice with alive, active and adaptive materials
Implications of alive, active and adaptive materials on (materials) education in design or other creative disciplines

Colette, C. (2013). This is alive. Retrieved from
Science M useum. (2010). Bio-couture. Retrieved from
Vallgårda, A. (2009). Computational composites: Understanding the materiality of computational technology (Unpublished doctoral dissertation). The IT University of Copenhagen, Copenhagen, Denmark. Retrieved from

Full Paper Due: 28.02.2018

More Information:
13.12.2017 um 10:07 Uhr
The United Nations High Commissioner for Refugees (UNHCR) estimates that in 2016, some 65.6 million people were forcibly displaced worldwide - a number not seen since the end of World War II. On average, 20 people were driven from their homes every minute. The challenges faced by vast numbers of migrants and refugees uprooted by war, persecution, ecological crises, natural disasters, or even relocating in search of economic opportunity, are often urgent, and, unfortunately, all too familiar.

The movement of populations has spurred - and continues to spur - great changes in the cultural landscape in general and design in particular, both positive and problematic. Displacement creates opportunities for cross-cultural dialogues and inspires design solutions, whether they be related to objects used for disaster relief, temporary housing for displaced persons during wartime or following natural disasters, or more substantial and lasting interventions into the landscape, such as the exponential and necessary growth of cities.

Taking place from 6-8 September 2018, this conference will examine displacement and attendant issues from a design perspective. In addition to the current displacement of people and populations, papers can consider the theme more broadly and historically, including connections among displacement of objects and styles, changing technologies, and broad geographies and histories related to landscapes and urban development.

Call for Papers

We invite contributions from design historians, scholars, and academics in related fields, as well as practitioners, design educators, museum professionals, and students. Topics might deal with such issues as:

Design and the Displacement of Peoples

Issues of immigration and emigration
Camps and disaster relief
Colonialism, post-colonialism, and the displacement or replacement of cultures
Exiles and exile culture
Passports and borders
Asylum seekers and climate refugees
Displacement of Objects and Styles

The history of museums and travelling exhibitions
Collecting and collections, displacing objects from one context to another
Debates over the repatriation of artifacts
Expositions and World’s Fairs as institutions of decontextualizing objects and people
Reuse or misuse
Recycling or upcycling as a form of displacement
Transference or forgeries
Exoticism and appropriation of styles
Cycles of fashion
The Design of Displacement

Urban sprawl
Gentrification and displacement within cities
Moving or removing monuments
Landscape design and earthworks
Technological upgrades
Changing approaches in design pedagogy and education
Innovation and disruption
Individual papers of 20 minutes, or proposals for full panels of three papers related to the samples or relevant to the theme of displacement, will be considered. Panel proposals must include abstracts for all three papers, in addition to a short description of the panel theme.

All proposals will be double-blind reviewed and selected by the conference committee. Submissions are due Monday 29 January 2018 and should:

Be sent in the form of an MS Word document
Not exceed 300 words
Include the title of the paper
Include the author's full name, title, position, and institution
Include a brief professional biography (not exceeding 50 words)
13.12.2017 um 09:58 Uhr

This exhibition does not ask whether change is needed: we are in the thick of it—locally, globally, digitally, politically, socially, ecologically. How to set the course for a society in flux? And who should? Aiming for desires, yet fearing the unknown, we need space and dialogue. Space for experiments, research and observation; dialog between experience, innovation and interests to challenge,
investigate and adapt predominant structures in their self-conception.This exhibition will highlight a choice of the best, latest and most innovative in global design, from
hidden champions to big players.

In its search for what next generation design might be, this exhibition will not limit itself to a
showcase and meet and greet: animated by a program of daily talks, debates, guided tours,
and other events it will delve into the topic. Participants also won’t have to invest into a scenography, presentation or illumination. To create a consistent whole, in which the exhibits are put as much as possible in evidence and enter into a lively dialogue with each other, the exhibition will take the shape of a carefully curated open land scape, in which each exhibit is explained to the public with captions and other documentation.

The exhibition will be curated by state of DESIGN director Alexandra Klatt.

Next to a number of other criteria, such as the will to create a diverse and kaleidoscopic whole,
and the way in which the proposals reflect new tendencies and strategies in global design in general, projects will again be judged on their critical mass and experimental and social relevance, or the way in which they question ruling standards.

The exhibition platform will be organized at 500sqm on five floors in a very special building in
the historic city center of Munich: the BUNKER at Vikatualienmarkt.


All designers and design studios, producers, and institutes, whatever their origins, can apply for participation.

The exhibition is also open for participants from all possible design disciplines, going from jewelry and fashion, over furniture, product and communication design, to automotive and mobility, architecture and urban planning.

Candidacies are only valid when the Application Form is filled out and signed and has been re-
ceived by the organizers before 2017, December 31st.

Applications will be selected in three rounds, a first one on September 30th, a second one on November 30th, and a third one on December 31st. The final number of participants will be kept limited though. When that number has been reached before the final deadline, no further selection round will be organized. Candidates can apply with several proposals or projects, but are expected to enter one application form per project.

One proposal can comprise one or several ob jects, and even an entire collection, as long as the
exhibits clearly present themselves as one homogenous whole. A selection will only be final once participants will have paid the fee after they have been informed of their selection.

To keep the participation fee as low as possible, participants will again be asked to see to it them selves that the selected project is brought and retrieved on a specific date (will be announced latest two month before the opening) to and from the exhibition space.

Time of application ends on December 31st
12.12.2017 um 11:54 Uhr

In the past decades there has been a lot of discussion about the construction and impact of history. Historians claim to have overcome teleological narratives, moving away from grand narratives and challenging the white-male canon in order to decolonize and diversify.

Histories, however, have not only been constructed from words but also designed in various media in different dimensions. What happens when the past is given a particular form? How do designers interpret historical information and, by doing so, shape our knowledge of the past and its impact on the future?

The symposium focusses on historiographic dimensions of design in both the creation and the reception of history. It aims at discussing how specific knowledge, methods and elements of design are used to create histories, how they differ from each other and from written and oral histories, and how they create different trajectories for the future (Dilnot 2015). Possible contributions will analyze the construction and dissemination of historical narratives in visualizations (such as timelines or genealogies), publications (such as history books), exhibitions (such as retrospectives), and software (such as history apps or digital timelines).
How does their design affect our understanding of history (and thereby future and time in general)? Already a simple artifact such as a timeline communicates much more than historical data. By placing events on a single line, time is given a teleological notion, whereas detours, parallelisms, discontinuities, shifts and other aspects can hardly be visualized.

After an introductory keynote, the symposium will be organized in four panels – Visualizations, Publications, Exhibitions and Software –, bringing together invited contributions from established researchers and papers via an open call.

We invite proposals for individual papers of 20 minutes in particular, but not exclusively, from the following fields: history, visual history, design history, cultural studies, digital humanities, editorial design, exhibition design, interaction design, and information design.


Please submit the proposal for your contribution in English no later than Monday, February 19th, 2018, including:

• Title of the panel (Visualizations, Publications, Exhibitions or Software).
• Title of the paper.
• Author's full name, title, position, and institution.
• Abstract of the paper (not exceeding 500 words).
• Keywords.
• Brief professional biography (not exceeding 200 words).

Papers must be original and not simultaneously submitted to another journal or conference. Proposals will be double-blind reviewed and selected by the conference committee.

The proposal must be in PDF format (file extension .pdf). Upload your proposal to:

All questions about submissions should be emailed to: itwasntwritten at


Julia Meer (Humboldt University in Berlin, visiting researcher at the MIT)
Robert Lzicar (Bern University of the Arts HKB)


• Keynote: Clive Dilnot, Professor of Design Studies in the School of Art and Design History and Theory, The New School / Parsons
• Martino Stierli, The Philip Johnson Chief Curator of Architecture and Design, The Museum of Modern Art (tbc.)
• Daniel Rosenberg, Professor of History, University of Oregon (tbc.)
• Teal Triggs, Associate Dean in the School of Communication, Royal College of Art
• Johanna Drucker, Breslauer Professor of Bibliographical Studies, University of California, Los Angeles
• Jeremy Aynsley, Head of the Research Cluster Internationalising Design History, University of Brighton
• Orit Halpern, Associate Professor of Interactive Design in the Department of Sociology and Anthropology, Concordia University, Montréal
• Frédéric Kaplan, Professor in Digital Humanities, École Polytechnique Fédérale de Lausanne EPFL (tbc.)


The conference will be held at the MoMA in New York.


swissnex Boston
12.12.2017 um 10:56 Uhr
An der Hochschule für Gestaltung (HfG) Offenbach, Kunsthochschule des Landes Hessen mit Promotionsrecht, ist zum 1. April 2018 (SoSe 2018) eine Professur (W2) für das Lehrgebiet Interaction Design im Fachbereich Design zu besetzen.

Im Fachbereich Design werden Studierende in den Schwerpunkten Industrial Design, Integrierendes Design, Materialdesign flankierend von Technologie im Design sowie Kultur - und Designtheorie im dynamischen Spannungsfeld zwischen Wissenschaft und Praxis unterrichtet.

Das neue Lehrgebiet Interaktionsgestaltung ist neben den genannten Schwerpunkten als ein neues und interdisziplinär orientiertes Lehr- und Forschungsgebiet in der Fachrichtung Design zu etablieren und ist Teil des neuen interdisziplinären Forschungsschwerpunkts Mobilitätsdesign, der unter der Federführung der HfG im Rahmen des hessischen LOEWE-Landesprogramms Forschung zu »Infrastruktur – Design – Gesellschaft: Designforschung in Mobilitätssystemen zur Entwicklung multimodaler, umweltfreundlicher Mobilität im Ballungsraum Rhein-Main« von 2018 bis 2021 durchgeführt wird. Kooperationspartner sind die Frankfurt UAS, die Goethe-Universität und die TU Darmstadt. Das Forschungsgebiet Interaktionsgestaltung ist als ein eigenständiges, jedoch interdisziplinär orientiertes Forschungsgebiet in den LOEWE-Schwerpunkt Mobilitätsdesign einzubringen und in der Lehre am Fachbereich Design zu vertreten.

​Die Professur konzentriert sich auf die Gestaltung interaktiver Systeme an der Schnittstelle zum Design – vom grafischen Interfacedesign über Konzepte für Bedienungen von Geräten und der Entwicklung von Bedienungsstrukturen bis zur experimentellen Entwicklung komplexer Interaktionen in realen und virtuellen Räumen als Ganzes oder als Teil eines Systems.

Interaktionsgestaltung wird als maßgeblicher Kompetenzbereich im Design verstanden. Die Lehraufgaben im Grund- und Hauptstudium und die aktive Mitarbeit am LOEWE- Forschungsschwerpunkt Mobilitätsdesign umfassen die Vermittlung von Strategien (u.a. Systemtheorie), Technologien (u.a. Open Source) und Techniken (Scripting usw.) für ein nutzergerechtes Entwerfen mit dem besonderen Fokus auf der Entwicklung und Erforschung zukünftiger Mensch-Maschine-Systeme.

Ein abgeschlossenes Hochschulstudium im Design ist Einstellungsvoraussetzung. Erwartet werden einschlägige Erfahrungen sowohl in der gestalterischen Praxis als auch in der Forschung und Lehre im Bereich Interactiondesign. Wir suchen eine Gestalter-persönlichkeit mit besonderer Eignung und Motivation zur forschenden Erarbeitung wissenschaftlicher Erkenntnisse und praktischer Anwendung. Die Berufung ist, mit der Möglichkeit der Entfristung, auf vier Jahre befristet.

Es gelten die Einstellungsvoraussetzungen der §§ 61 und 62 Hessisches Hochschulgesetz. Die Vollzeitstelle hat ein Lehrdeputat von 18 SWS gemäß §3 Abs.3 LVVO (Hessen). Die HfG Offenbach strebt eine Erhöhung des Anteils der Frauen in Forschung und Lehre an. Bewerbungen von Frauen sind daher ausdrücklich erwünscht. Bewerber und Bewerberinnen mit Behinderungen im Sinne des § 2 Abs. 2 SGB IX werden bei gleicher Qualifikation bevorzugt berücksichtigt.

Bewerbungen mit aussagekräftigen Unterlagen und Dokumenten sind unter der Kennziffer 20 bis zum 8. Januar 2018 an den Präsidenten der Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main, Schlossstraße 31, D-63065 Offenbach am Main, einzureichen.

Link zur Ausschreibung:
12.12.2017 um 09:16 Uhr
The conference registration is open.

Current discourse in design research, art, cultural studies, media studies, philosophy, and the social sciences is dominated by the much-debated concept of the “Anthropocene,” which claims that we are entering a new geological age determined primarily by the effects of human activity on the planet. It has been used to increase awareness of the negative influence of our actions on climate and the environment, and thus on the terms and conditions of our long-term survival. Against the backdrop of ongoing catastrophe and normalised crisis, the image of designers as problem-solvers and shapers of material-visual culture is constantly evoked. Designers are expected to come to the rescue and to draft speculative scenarios, construct artificial worlds, and develop smart solutions. In short: design is wielded as a catalyst for global change.

But isn’t this image of the designer as an omnipotent problem-solver itself problematic? What if design is not the solution, but very much complicit in the problems it wants to solve? At this point, we feel compelled to ask: How can design truly contribute to a more just society and sustainable forms of living without compromising bottom-up initiatives and marginalising the voices of those who are most directly affected?

Our conviction is: Design cannot change anything before it changes itself. The conference “Beyond Change: Questioning the role of design in times of global transformation” is a critical response to the tendency of seeing global crisis first and foremost as a worldwide design competition. How can we reimagine design as an unbounded, queer, and unfinished practice that approaches the world from within instead of claiming an elevated position? How, for once, can we see design as a situated practice instead of turning it into the Global North’s escape and problem-solving strategy? How can we think about one world without falling into planetary-scale thinking and the idea that resilience is our only hope?

There will be 22 sessions and workshops addressing topics such as: sustainability, commons, indigenous knowledges, artisanal design, the politics of objects, design and gender, and much more.

On the conference website you will find out about our keynotes, speakers, sessions moderators and other program highlights, we are very excited about.

We hope to welcome you in Basel in March and again, a warm thank for your collaboration!

Best wishes
07.12.2017 um 10:49 Uhr
Die in Designstudiengängen beliebte lehrbegleitende Kommunikationsplattform Incom hat seit dem Wintersemester ein umfängliches Update erhalten.
Diese Version geht noch besser auf die Bedürfnisse der kreativen Lehre ein. In Organisation, Kommunikation, Information und Präsentation.

Mehr Information auf
30.11.2017 um 18:04 Uhr
Seit dem 5. Oktober 2017 können sich Künstlerinnen und Künstler unterschiedlicher Disziplinen erstmals im Rahmen eines Open-Calls initiativ für ein Stipendium an der Kulturakademie Tarabya bewerben. Die Ausschreibung läuft bis zum 30. November 2017. Es werden Stipendien ab dem 1. September 2018 vergeben.

Außergewöhnlich qualifizierte Künstlerinnen und Künstler und Kulturschaffende, die mit ihren Werken oder Publikationen bereits öffentliche Anerkennung gefunden haben und ihren Schaffensmittelpunkt und Wohnsitz in der Bundesrepublik Deutschland haben sowie Teams von Kreativen mit Wohnsitz in Deutschland und der Türkei im Rahmen von Koproduktionsstipendien (Tandems von zwei Personen). Bewerbungen von Studierenden sind ausgeschlossen.

Architektur, Bildende Kunst, Darstellende Kunst, Design, Literatur, Musik, Film, Publizistik und Kulturtheorie

Dauer: Vier Monate oder acht Monate, Option auf Verlängerung per Antrag um weitere zwei Monate zu späterem Zeitpunkt.

Arbeit in einem Umfeld exzellenter Mitstipendiatinnen und -stipendiaten. Das Barstipendium besteht aus einem pauschalen Zuschuss zu den Lebenshaltungskosten von 2.500 € pro Monat. Die Sachleistungen umfassen darüber hinaus: Die Bereitstellung einer möblierte Unterkunft (Wohnung mit Kochgelegenheit und Bad), die Kostenübernahme für Wasser, Strom, Heizung und Grundreinigung gegen monatlich durch Stipendiaten zu entrichtende Pauschale von 100 TL (ca. 25 €), die gemeinschaftliche Nutzungsmöglichkeit eines als Atelier verwendbaren Mehrzweckraums, eines Probenraums (mit Steinway-Flügel und Schlagzeug) sowie eines Veranstaltungsraums, der von mehreren Organisationen genutzt wird. Stipendiatinnen und Stipendiaten mit Wohnsitz und Lebensmittelpunkt in der Türkei erhalten kein Barstipendium. Aus diesem pauschalen Zuschuss sind auch Reise- und Transport- sowie solche Kosten zu bestreiten, die den Stipendiatinnen und Stipendiaten durch die Wahrnehmung des Stipendiums entstehen. Zudem können projektbezogen Materialkosten für die Umsetzung und Präsentation des künstlerischen Schaffens beantragt werden. Betreuung durch die Deutsche Botschaft Ankara. Das Goethe-Institut trägt die kuratorische Verantwortung und ist für die Vernetzung mit türkischen Kulturschaffenden und die Unterstützung bei der Umsetzung von Projekten vor Ort verantwortlich.

Nähere Informationen unter:
22.11.2017 um 12:39 Uhr
Als Kitsch ausgewiesen! Neuaushandlungen kultureller Identität in Populär- und Alltagskultur, Architektur, Bildender Kunst und Literatur nach 1989

Nach dem Systemumbruch 1989 in Deutschland ist die (Hoch-)Kultur einer kritischen Revision unterzogen worden. Eingefordert wurde mit dem Untergang der DDR eine gesamtdeutsche Identität, zu der die Kultur der DDR politisch und, wie man meinte, auch ästhetisch in Gegensatz stand. Ebenso wie das politische Urteil über den Sozialismus feststand, war auch das ästhetische Urteil über die DDR-Kultur größtenteils einstimmig: Sie sei Kitsch und habe keinen Platz im neuen, wiedervereinten Deutschland. Doch so scheinbar überzeugend, wie man mit dem Kitsch-Argument zwischen Kunst und Nicht-Kunst trennte, konnte man den Nachweis an der Kunst selbst nicht führen. Der kritische Blick auf jene Urteile zeigt, dass der Kitsch nicht eindeutig am ästhetischen Gegenstand nachzuweisen ist.
Als Kitsch ausgewiesen! strebt sowohl eine theoretische Klärung des Kitschs als auch die diskursanalytische Untersuchung der feuilletonistischen Deutungskämpfe über die kulturelle Identität des wiedervereinten Deutschlands an, die zu großen Teilen über den Kitsch-Vorwurf abgewickelt wurden. Im Mittelpunkt steht der Kitsch als ästhetisches Phänomen, das sich aus ganz unterschiedlichen, oft außer-ästhetischen Urteilen speist. Anhand der vier Nachwendedebatten um den Berliner Schlossplatz, die Ostalgie, den Weimarer Bilderstreit und den deutsch-deutschen Literaturstreit werden das Verfahren und der Inhalt des Kitsch-Vorwurfs untersucht. Damit gerät genau der Vorwurf in den Blickpunkt, mit dem der Kulturkampf nach 1989 so prominent geführt wurde und in nicht unbeträchtlichem Maße das formte, was sich heute als nationale kulturelle Identität Deutschlands darstellt.
20.11.2017 um 12:40 Uhr

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